LUCASIVUCA

HOMENAGEM A NARA LEÃO

2012-01-20T15:09:00.003-03:00

Se estivesse viva, Nara Leão teria completado ontem 70 anos de idade. A capixaba foi uma das figuras mais importantes da nossa Música Popular Brasileira. A serenidade dos olhos escondia uma mulher de ideais firmes. Cantora de voz livre, participou de muita coisa boa, sem nunca se prender a nenhum rótulo: foi musa da Bossa Nova, cantora de protesto, gravou um disco tropicalista, e ajudou muita gente boa a aparecer junto com ela: é só lembrar do sucesso que fez cantando A Banda, música de Chico Buarque, no Festival da Música Popular Brasileira, na TV Record, em 1966, o que alavancou também a carreira do amigo. Também cantou com João do Vale, Fagner, Roberto Menescal. Em seus 47 anos de vida (mais de vinte de carreira), deixou 26 discos gravados, onde mostra toda a graça de sua voz e o bom gosto na escolha do seu repertório. Uma voz pra lembrar sempre. Salve, Nara.

Ouça:

Nara canta Joana Francesa, de Chico Buarque.
http://www.youtube.com/watch?v=n7HEB2bqn5M

Nara canta com Fagner Penas do Tiê, de domínio público, em adaptação de Fagner.
http://www.youtube.com/watch?v=NOMpjbDgpzk

Nara canta A Banda, de Chico Buarque.
http://www.youtube.com/watch?v=88L73B4sLQU&feature=related

Nara canta Carcará, de João do Vale.
http://www.youtube.com/watch?v=4poHPINYuFQ

Fantástico em Pernambuco

2011-11-01T13:27:00.004-03:00

Esta semana será realizado na UFPE o evento Fantástico em Pernambuco, para quem é interessado na literatura fantástica. A literatura de E. T. A. Hoffmann, Edgar Allan Poe, entre outros, será abordada, e também elementos fantásticos na música romântica, cuja responsabilidade é minha.

Tenho o prazer de convidar todos a assistir e comentar.
Acessem o blog para ver as datas e locais.

http://fantasticoempernambuco.blogspot.com/

Abração!

Cem Anos Sem Mahler

2011-10-14T16:31:00.006-03:00

Gustav Mahler (artista não identificado)

Salve, Mahler, gigante da música, disseminador de verdades eternas para seus irmãos humanos.

Pedindo desculpas, caro leitor, pela demora em escrever sobre o centenário do encantamento deste grande poeta da música, deixo aqui uma lembrança e um pequeno incentivo para o conhecimento de sua obra colossal. Lembrando que minha apreciação da música não é cronológica, nem o meu conhecimento da morte é cronológico (aliás, quando é a minha morte mesmo?).

Gustav Mahler é uma figura central para a música do século XX, artesão de finas obras de arte sonora, e inspirador para grandes revoluções. A capa de mártir, de que já falamos com Schubert, também lhe é atribuída: Mahler é considerado um santo, pela vida completamente dedicada à música.

A verdade é que esse homem é uma das figuras mais laboriosas da história do artesanato musical. Tudo o que escreveu tem um toque de grande artesão, cada linha melódica, cada combinação tímbrica, tudo está no lugar. É um trabalhador consciente do efeito que deseja causar com sua arte. E toda ela é assustadoramente forte.

Forte abraço, leitores!

Ouça:

Canção da Terra (Das lied von der Erde)

As canções de Schubert

2011-07-22T11:03:00.019-03:00

O viajante sobre o mar de névoa, de Caspar David Friedrich (1818)

Franz Schubert é um desses exemplos que a História toma para chamar de Gênio. Sua morte prematura, seu caráter “angelical”, serviram para lhe trazer uma aura divina, assim como são divinos Mozart e Chopin. Vivemos, ainda hoje, conseqüências dos ideais da Era Romântica do século XIX. E essa é a época em que o artista, antes de tudo, é a representação de sua própria arte. Os temas macabros, sobrenaturais, trágicos – tudo isso atraía os artistas românticos. Adoecer e morrer jovem eram glórias que os eternizavam, e trazem para o nosso tempo a ideia romântica de Mito.

Afora toda essa fumaceira, vejo em Schubert um grande melodista. É difícil não ficar com uma melodia sua na cabeça, dada a habilidade que ele tinha em manipular esse material. Pra mim, pouco conhecedor que sou, o coração da obra de Schubert está em suas canções. O que fez nas Sinfonias e nos Quartetos de Cordas, tudo me parece inspirado na canção. Aliás, ele próprio tomou canções suas como tema para o quarteto A Morte e a Donzela e o quinteto A Truta. Tudo canta nessa música.

Nas suas canções, Schubert expõe seu gosto literário, sua natureza de músico popular, sua alegria, sua angústia, sua fé, e assim retrata uma época.

O lied, como é dito em alemão, é basicamente uma canção escrita sobre um poema, para voz e piano, em uma integração forte entre música e poesia. O piano tem papel significativo, pois não só fornece a base para o cantor: ele comenta, interroga ou afirma o que diz o poema, através de recursos harmônicos, melódicos ou de intensidade, criando o cenário para a estória cantada. Esse recurso seria levado a um alto nível em algumas das criações de Robert Schumann, cuja vida foi realmente a de um homem romântico.

O lied criou uma linhagem durante o romatismo alemão, passando pelas peças de Brahms e Hugo Wolf e chegando à grandiosa expressão emocional de Gustav Mahler. Mahler criou lieder acompanhados por orquestra, ao invés do piano, o que traz mais um fator expressivo: o timbre dos instrumentos comentando o texto. Me parece que também em Mahler, o núcleo da obra está nas canções. Mahler incluía em suas sinfonias motivos de suas canções, freqüentemente canções inteiras, colocando a voz em peças tradicionalmente instrumentais. Sua Canção da Terra representa o ápice e também o fim de uma era, assim como abre novas portas para o futuro.

O lied continuou no século XX na obra dos compositores atonais Schönberg, Webern e Berg e nas Quatro últimas canções de Richard Strauss, colega de geração de Mahler, talvez uma das derradeiras peças desse caráter, em uma época de caos e de busca de novas formas musicais. Paradoxalmente, é nessa época que se começa a recuperar as canções de Schubert, que são gravadas em discos, reeditadas, e divulgadas com aquela aura romântica que persiste no público, que agora compra essa música, vinda de um tempo remoto, e que não apresenta a confusão da música de Boulez e Stockhausen, que adotaram a música vocal de maneira bastante peculiar. É a época de apreciar a música do passado: o presente não importa, a não ser para alguns artistas de ouvido atento. E a música de Schubert não é nada caótica para os espíritos de maior “bom-gosto” do público.

Cantar e ouvir Schubert da maneira correta é praticamente impossível, pois não temos como resgatar uma época perdida no tempo. Mas a beleza da música persiste, embora muita coisa possa ser considerada açucarada ou piegas. Mas o que fica é uma sensibilidade admirável e uma habilidade espantosa com o material musical.

Um abraço, amigo leitor!

Ouça
Alguns Links para o Youtube

A Morte e a Donzela (Der tod und das Mädchen), cantada por Julia Culp.
A Truta (Die Forelle), cantada por Elisabeth Schwarzkopf.
Para a Música (An die Musik)
Rei dos Elfos (Erlkönig), em interpretação impressionante de Dietrich Fischer-Dieskau.
Serenata (Städchen), cantada por Werner Güra.
Os ciclos de canções A bela moleira (Die Schöne Müllerin), O canto do cisne (Schwanengesang), Viagem de inverno (Winterreise).

Quarteto de Cordas n. 14 em Ré menor (A Morte e a Donzela), tocado pelo Takacs Quartet.
Quinteto com Piano em Lá maior (A Truta), tocado por Clifford Curzon e membros do Amadeus Quartet.

Ouça também

Amor de Poeta, op. 48 de Schumann.
Quatro canções, op 17, de Brahms.
Canção da Terra (Das lied von der Erde), de Mahler
Sinfonia n.4, de Mahler.
Gurrelieder, de Schönberg.
Quatro últimas Canções, de Richard Strauss.
O martelo sem mestre (Le marteau sans maître), de Pierre Boulez.

Bibliografia e discografia

CANDÉ, Roland de. História universal da música (Vol. 2). São Paulo: Martins Fontes, 2001. 2 vol.

GROUT, Donald; PALISCA, Claude. História da Música Ocidental. Lisboa: Gradiva, 2007. 5 ed.

KOSTKA, Stephan; PAYNE, Dorothy. Harmonia tonal com uma introdução ao século XX. 4 ed.

Leise flehen meine lieder. Coletânea de canções de Schubert, cantadas por Gundula Janowitz, Dietrich Fischer-Dieskau e outros. Disco, Deutsche Grammophon.

“Trout”Quintet; “Death and the maiden” Quartet. Christoph Eschenbach, Koeckert-Quartett e Amadeus-Quartet. CD, Deutsche Grammophon.

A bela moleira. Ciclo de canções. Hermann Prey, barítono. Enciclopédia Salvat dos Grandes Compositores. Disco, Philips, 1981.

MULHER E PÁSSARO DENTRO DA NOITE

2011-06-17T18:40:00.002-03:00

Como explicar essa arte? Cores e linhas, formas? O que tem nessa arte?

Talvez não queira fazer sentido, apenas sugerir um sentido que o próprio observador tenta dar, e tenta buscar na infância, no esquecido. Enquadram por aí em Surrealismo. Corro dos rótulos. São apenas didáticos.

Segundo encontrei, Mulher e Pássaro... de Miró está datado de 1947. Obra bastante simplificada com relação à chuva de cores e linhas de outras obras, como as já mostradas por aqui.

Que tal observarmos juntos essa arte, e conversarmos?

MIRÓ

2011-06-17T18:20:00.004-03:00

Artista do subconsciente, Joan Miró. Poeta do impensável nas linhas e cores. Joan Miró i Ferrà, catalão de nascimento, palmesano de morte. Em seus novent'anos de vida (1893-1983) criou uma arte singular e inexplicável. Mas como todos precisam definir o que é sua arte, falou-se dele como surrealista. Além de pintor, escultor.

Como sou ainda um curioso da arte, pouco conheço desse criador; no entanto, o que conheço, divido com todos vocês, e espero aprender com suas opiniões.

Salve, Miró. Bem vindas as suas obras às cores do meu imaginário.

IONISATION

2011-06-01T12:55:00.002-03:00

Números e constelações em Amor com uma Mulher, de Juan Miró

Essa semana ouvi Ionisation, de Varèse. Uma música construída apenas por instrumentos de percussão. Espanto. Onde achar melodia, onde achar forma, onde se segurar? A primeira audição, a primeira folheada na partitura, tudo ainda muito verde, mas não posso deixar de compartilhar contigo essa primeira impressão.

Ionisation é uma obra de arte de identidade própria, com a grande riqueza da combinação dos sons percussivos criando uma paisagem sonora peculiar, como na pintura de Kandinsky e Miró.

Ionização, título que associa o fazer música com a química. Assim como os antigos, Varèse sabia do poder mágico de sua arte. Música e alquimia eram coisas interligadas em tempos passados, como na Renascença e no Barroco. A música era a verdadeira Harmonia do Universo. A ciência foi avançando tanto pra um lado, a música tanto pra um outro, que uma não precisa mais da outra. E o século XX e o nosso século são épocas extremamente científicas. Tudo a ciência explica.

Talvez Ionisation queira retomar esse elo perdido entre música e ciência.

Ouve Ionisation. Pelo menos uma coisa que Ionisation pode te trazer: teu ouvido vai mudar, pra melhor ou pra pior, mas vai mudar. Novas observações virão, minhas e de outras pessoas. E gostaria que tu, caro leitor, me corrigisse no que faltei e expressasse tua opinião também.

Link para Ionisation (Youtube)

Lucas Oliveira de Moura Arruda.

Edgar Varèse

2011-06-01T12:40:00.005-03:00

Edgar Varèse nasceu em Paris em 1883; faleceu em Nova York em 1965. Em seus oitenta e dois anos de vida, presenciou guerras, mudanças radicais no mundo da arte, e foi o precursor de várias tendências da música da segunda metade do século XX: música eletroacústica, experimentalismo. Questionou as regras da música ao conhecê-la a fundo, criou suas regras, sem precisar explicá-las. Talvez daí venha o pouco conhecimento de sua obra, porque a música do século XX ainda precisa de explicações. Infelizmente, ouvir não é o suficiente. Todos têm preconceitos e conceitos do que é a "melhor música". A música Culta, ou a música Popular. Infelizmente esses conceitos pesam na hora de ouvir uma música fora de qualquer desses esquemas.

Ouça Varèse. Sem conceitos.

MIRÓ

2011-05-31T17:40:00.003-03:00

Interior Holandês, 1928

Seminário Carrión apresenta ao Recife grandes violonistas

2010-09-08T11:28:00.003-03:00

Olá amigos leitores. Agora em setembro, de 14 a 18, será realizado pelo Conservatório Pernambucano de Música o II Seminário de violão José Carrión, homenagem ao saudoso músico e professor, formador de tantos talentos musicais de nossa terra. Vindo da Espanha, trouxe para nós a herança da Moderna Escola de Violão, que teve como grande bandeira Francisco Tárrega. Foi por muito tempo professor de Violão e Violoncello no Curso de Música da Universidade Federal de Pernambuco. Entre tantos que com ele estudaram e guardam boas lembranças, estão Djalma Marques, Mauro Maibrada, Dinara Pessoa, Henrique Annes, Vital Joffily, Napoleão Costa Lima.

O evento contará com a presença célebre de Mario Ulloa, professor de Violão da UFBA, Henrique Annes, Vital Joffily, e o espanhol Paco Fernández, guitarrista flamenco espanhol trazido pelo Instituto Cervantes. Além daqueles que estão construindo carreiras de sucesso, como Newton Messias, Ricardo Arôxa e João Paulo Pessoa. Virá também o luthier Lúcio Jacob com suas novidades em instrumentos.

Serão masterclasses, palestras e recitais. Teremos na programação desde o repertório consagrado do violão - o Concerto de Aranjuez, solado por Mario Ulloa; até músicas contemporâneas, como os Impromptus de Richard Bennett, tocados por João Paulo Pessoa, e a Libra Sonatina de Roland Dyens, tocada por Ricardo Arôxa.

A programação está no site:
http://www.eventos.mus.br/seminariocarrion/

As inscrições para os masterclasses devem ser feitas no site, e os concertos e recitais são totalmente de graça.

Abraço.

Bertrachte, Meine Seel, de Bach

2010-04-24T13:08:00.018-03:00

Caravaggio: Flagelação de Cristo, 1607

"Considera, minha alma", faz parte da Paixão Segundo São João, de Johann Sebastian Bach. É uma meditação sobre o sofrimento de Cristo com sua coroa de espinhos. O pequeno arioso (canção para solista) é escrito para voz masculina de Baixo, com acompanhamento de duas violas d'amore, alaúde e órgão. Música essencialmente barroca pelo conflito interno extremamente torturado. A música é essencialmente pictórica, representando por meio de sons o que normalmente vemos em pintura. É um aspecto essencial da música barroca e da obra de Bach. Assim, a instrumentação, a harmonia, a curva melódica, tudo isso é pensado com um propósito: expressar estritamente a idéia de um texto.

No barroco cada instrumento possui uma carga de simbologia, algo exprssado pelo seu simples uso em uma música. Do mesmo modo se tratavam as vozes humanas, as combinações melódicas, os gestos musicais. Para o texto áspero sobre Cristo, Bach utiliza voz de Baixo, que sempre representa o Cristo nas Paixões e Cantatas de Bach; e um alaúde, em seu tempo já um instrumento arcaico (embora Bach tenha lhe dedicado algumas peças, como transcrições de suítes para violoncello e violino). A sonoridade áspera do alaúde pode ser considerada uma representação dos espinhos da coroa dolorosa. Um aspecto extremamente belo da observação dessa música. Mais impressionante é observar que, graficamente, a coroa também está representada pelo alaúde, escrito em clave dupla.

Esse aspecto é essencial para compreender a música de Bach em si e a música barroca. Algo que pode hoje ser considerado até mesmo infantil, para aquela época fazia sentido e muitas vezes constituía o motivo para uma composição. A gente tem de se lembrar que na época não havia televisão, nem cinema; o modo de descrever as coisas, de captar o movimento de alguma coisa, era muito mais limitado - pintura, escultura, literatura e, principalmente, a música, o teatro e a dança tinham esse papel.

Algo que podemos entender não só para saber ouvir a música barroca, como para saber criar a nossa música, a música do nosso tempo, como fez Bach no seu tempo.

Ouça Bertrachte, Meine Seel, de Bach : Clique aqui

AS SEIS CORDAS

2010-03-03T11:12:00.006-03:00

Picasso: Violão (1913)

O Violão

Faz soluçar os sonhos.
O soluço das almas
perdidas
foge por sua boca
redonda.
E, assim como a tarântula,
tece uma grande estrela
para caçar suspiros
que bóiam no seu negro
abismo de madeira.

La guitarra
hace llorar a los sueños.
El sollozo de las almas
perdidas
se escapa por su boca
redonda.
Y como la tarántula
teje una gran estrella
para cazar suspiros
que flotan en su negro
aljibe de madera.

Federico García Lorca

2008-11-24T19:04:00.004-03:00

Banda Sinfônica comemora o Dia da Música com todo ecletismo

Canção de Milton Nascimento, coletânea de obras de big bands, sucessos da Broadway, frevo-de-rua e trilha sonora de filme famoso estão no repertório do concerto desta segunda-feira (24/11), no Teatro do Parque, com entrada franca. No final da apresentação, serão sorteados mais 25 exemplares do primeiro CD da Banda

Começar a semana ouvindo obras musicais de qualidade, interpretadas por músicos consagrados, em uma área central da cidade e sem precisar pagar um centavo sequer. É essa oportunidade que a Banda Sinfônica da Cidade do Recife proporciona ao público recifense, nesta segunda-feira 24 de novembro, quando realiza, às 20h, no Teatro do Parque, o IX Concerto Oficial – Temporada 2008.

Com regência do maestro Nenéu Liberalquino, o concerto homenageia o Dia Internacional da Música, comemorado em 22 de novembro. A data foi escolhida por ser também o Dia de Santa Cecília, considerada a padroeira da música e dos músicos. De acordo com a tradição, a santa transmitia tanta doçura ao cantar que, certa vez, um anjo desceu do céu só para ouvi-la.

Marcado pelo ecletismo, o repertório do concerto incursiona por vários gêneros, exemplificando diversas formas de expressões musicais. A primeira obra da noite é Cravo e Canela, de Milton Nascimento e Ronaldo Bastos. Em seguida, será executada uma coletânea de música de famosos grupos instrumentais norte-americanos, intitulada Big Band Favorites, de vários autores.

O concerto segue com Caravan, de Duke Ellington, Juan Tizol e Irving Mills, e uma seleção de obras de grande sucesso em teatros dos Estados Unidos, batizada Broadway’s Best. Dela fazem parte as seguintes composições: The Phanton of the Opera, de Andrew Lloyd Weber; I Dreamed A Dream, de Claude-Michel Schönberg; The Old Gumbie Cat, de Andrew Lloyd Weber e Sun and Moon, de Claude-Michel Schönberg.

As outras obras do concerto são: Cambaleando, de Marcos Diniz, frevo-de-rua vencedor da mais recente edição do Concurso de Música Carnavalesca Pernambucana; Vozes do Agreste, de Villani-Côrtes; e Parque dos Dinossauros, de John Williams.

No final da apresentação, serão sorteados mais 25 exemplares do primeiro CD da Banda Sinfônica, lançado no dia 7 de outubro, quando o grupo comemorou os 50 anos de sua fundação.

Tradicionalmente realizado na última quarta-feira do mês, o concerto da Banda Sinfônica em novembro foi antecipado devido ao Festival de Teatro, que terá peças encenadas no Teatro do Parque.

ENTRADA FRANCA

Maiores Informações:
http://www.neneuliberalquino.com/

MAURICE RAVEL

2008-11-15T10:05:00.012-03:00

Ravel, por Henri Manguin

"A obra de Ravel está ao abrigo dos anos e dos séculos, na medida em que escapa aos modismos e se submete a normas formais implacáveis. Como Fedra e a colunata do Louvre, as grandes obras de Ravel desafiam o tempo. Elas são de um material sólido e construídas dentro das regras. E, se pertencem a todas as épocas, é, talvez, porque souberam exprimir totalmente o seu próprio tempo."

Pierre Petit

Ouça as músicas de Ravel:

Bolero - parte 1, parte 2

La Valse

Rapsodie Espagnole

Le Tombeau de Couperin

Clique aqui para saber mais sobre Ravel

E se música fosse HQ?

2008-10-11T11:19:00.003-03:00

Surgida há praticamente dois anos, a editora virtual Mojo Books tem uma proposta diferente e bacana: transformar músicas ou álbuns em livros. O slogan é: "Se música fosse literatura, que história contaria?" Já existem 66 livros disponíveis para download gratuito, todos no formato de um CD, caso o leitor tenha interesse em imprimi-los. Mas a idéia é ler na tela mesmo. Por isso, títulos como "Ok Computer" (Radiohead), escrito por Rafael Castro; "Back to black" (Amy Winehouse), por Fernanda Nascimento; e "Transa" (Caetano Veloso), por Herculano Neto e Vanessa Rodrigues, têm, em média, 30 páginas, para não cansar o leitor. Todos os Mojos Books são signatários do Creative Commons e qualquer pessoa pode mandar o seu, só precisa ser baseado em CD que ainda não tenha sido transformado em livro.

A idéia é tão boa que não poderia faltar HQ nesta história. E a primeira acaba de ser lançada pela Mojo Books. O título é "Bela Lugosi's dead", o clássico do Bauhaus. A adaptação foi feita pelo roteirista Leo Martinelli e pelo ilustrador Raphael Salimena. O estilo gótico da banda inglesa está lá, em cada quadrinho, mas com muito bom humor e, além do ator Bela Lugosi como personagem, um outro que também interpretou o Conde Drácula no cinema: Christopher Lee. Além de "Bela Lugosi's dead", há uma Mojo Comix de número zero disponível - como todo o resto - para download no site: "Strawberry fields forever" (The Beatles), com texto de Dennis Anderson e arte de Jean Okada. Experimente ler qualquer um deles ouvindo o álbum correspondente.

Fonte:http://oglobo.globo.com/blogs/Gibizada/

Música e Literatura

2008-09-11T11:10:00.001-03:00

Saudações! Por estes tempos estou embrenhado na leitura de clássicos da Literatura. Aí vocês perguntam: "Ué, mas você não é músico?" Acontece, gente, que a Música e a Literatura não estão tão longe assim. Bem, mas se eu for justificar aqui, vou acabar escrevendo uma tese sobre a relação entre Música e Literatura (o que, aliás, o nosso Mário de Andrade defendeu muito bem). De qualquer modo, digo que estou tirando muito proveito dos conhecimentos adquiridos. (Esse é um ponto fundamental) Independente de preconceitos, acho que nós devemos encarar todos os tipos de arte como complementares uns dos outros, formando assim um todo que acaba por definir o que é o ser humano. Prestem atenção: a Literatura ajuda a aguçar a nossa sensibilidade, e até a ver o mundo de outro jeito. A Literatura, longe de ser uma arte esquizofrênica, tem uma função social muito importante (lembrem do Castro Alves e a campanha abolicionista...) Essa estória de separar Música e Literatura como inimigos é coisa de gente que só é sensível a dinheiro. Bem, espero ter dado um bom recado. Procurem perceber a harmonia das palavras da Língua Portuguesa...

A prosa seca de Graciliano Ramos

2008-09-09T12:32:00.000-03:00

Graciliano Ramos, um dos mais importantes escritores da nossa literatura. Escrita seca, áspera, agressiva. Seus romances, não muito longos. Fazia na prosa algo que João Cabral de Melo Neto fazia na poesia: tinha a rara habilidade de expressar muita coisa com poucas palavras. Há uma constante busca do significado da alma e do pensamento humanos. Nas suas narrativas, existe uma tensão crescente entre os personagens. A visão negativista do autor transforma as pessoas em bichos. Em Vidas secas, talvez a única criação em que o autor demonstra alguma compaixão humana, o personagem mais humano, na minha opinião, é justamente a cachorra Baleia. Na obra do escritor alagoano, há também espaço para críticas sociais, como no já citado Vidas secas e principalmente em Memórias do cárcere. Neste há duras críticas à política brasileira, críticas que ainda são atuais. Naquele está presente a denúncia da situação cruel pela qual passam os retirantes da seca do sertão nordestino - o que aliás, passados quase 70 anos do romance, ainda não mudou. Enfim, há dezenas de coisas na densa obra de Graciliano Ramos, que se eu fosse falar aqui não ia ter espaço. Leiamos seus livros:

Angústia
Vidas secas
São Bernardo
Memórias do Cárcere
entre outros...

Site oficial de Graciliano Ramos: www.graciliano.com.br

Banda de Pífanos de Caruaru

2008-08-10T19:34:00.000-03:00

A Banda de Pífanos é massa. É terra de engenho de cana-de-açúcar. É terra de sertão brabo.É moura, índia, portuguesa. É o som cru e seco do dia-a-dia do povo. Sensibilidade rústica. Hércules-Quasímodo. Minúscula e enorme. Deus e o Diabo. É identidade, carteira de motorista, título de eleitor, CPF. É Pernambuco e é Brasil.

Noite de S. João, de Jorge de Lima (Poemas, 1927)

2008-06-24T09:11:00.000-03:00

Vamos ver quem é que sabe
soltar fogos de S. João?
Foguetes, bombas, chuvinhas,
chios, chuveiros, chiando,
chiando,
chovendo
chuvas de fogo!
Chá - Bum!

O delegado proibiu bombas, foguetes, busca-pés.

Chamalotes checoslovacos

enchem o chão

de chamas rubras.

Chagas de enxofre chinesas
chiam,

choram,

cheiram,

numa chuva de chispas

chispas de todos os tons,

listas de todas as cores

e no fim

sempre um

Tchi - Bum!

Fogueira! Fogueira!
A menina bonita
saltou a fogueira
de meus olhos
Meus olhos ficaram
cheios de fumaça de sonho!

Trecho do poema Noite de S. João, de Jorge de Lima (Poemas, 1927)

Festival inédito reúne gerações de guitarristas em SP

2008-05-07T16:27:00.004-03:00

Clube do Jazz Olmir Stocker

SÃO PAULO - Um encontro de diversas gerações de guitarristas vai agitar o bar Ao Vivo Music, em São Paulo, de hoje até sábado. O local abriga o 1º Festival História da Guitarra, que reunirá brasileiros consagrados no instrumento, como Heraldo do Monte, Hélio Delmiro, Faíska, Michel Leme e Olmir Stocker. O idealizador do evento é o guitarrista Marcelo Jesuíno, diretor artístico da casa. "Percebi que alguns nomes que iniciaram a história da guitarra no Brasil ainda estão vivos e mereciam ser homenageados. Conversei com um amigo meu e resolvemos uni-los aos músicos de hoje. É um encontro de gerações da guitarra", explica Jesuíno.

Serão dois shows por noite, sempre às 21h. O primeiro a se apresentar é o violonista, guitarrista, arranjador e compositor Conrado Paulino, que já acompanhou artistas como Rosa Passos, Alaíde Costa, Johnny Alf, Zimbo Trio e Paulinho Nogueira. A outra atração fica a cargo de Olmir Stocker. O multiinstrumentista, conhecido como Alemão, começou a trabalhar com a turma da Jovem Guarda. Depois juntou-se ao saxofonista Casé e a Hermeto Pascoal na banda Brasilian Octopus.

Amanhã, quem abre o evento é Duca Belintani. Há 23 anos atuando como músico e professor, acabou de lançar o disco solo Conduzir, em que mistura jazz, blues, samba e rock. Depois, é a vez do guitarrista Faíska, que toca desde os 17 anos e já acompanhou gente de alto calibre como Fagner, Ney Matogrosso e Rita Lee. Na sexta-feira, Michel Leme faz a abertura. Na mesma noite, Heraldo do Monte mostra o seu som. A ''lenda'' nacional da guitarra tocou ao lado de Walter Wanderley, Dick Farney e Dolores Duran, além de integrar a Orquestra da TV Tupi. Gravou também com Elis Regina, Quinteto Violado, Zimbo Trio, entre outros.

Para fechar o festival, Edu Letti faz a abertura do show de Hélio Delmiro. Com 42 anos de carreira, Delmiro é um dos músicos mais requisitados pelos principais nomes da MPB. Já tocou em diversos festivais de jazz na Europa, o que resultou no convite para gravar com Sarah Vaughan o disco Som Brasileiro. Ainda participou de shows e discos de Milton Nascimento, Beto Guedes e Wagner Tiso. Apresenta standards do jazz e temas de Tom Jobim. As informações são do Jornal da Tarde

Informações: (011) 5052-0072 ou

www.aovivomusic.com.br
AE - Agencia Estado

Mais uma peça (pequena mensagem de Ano-Novo)

2007-12-31T09:45:00.000-03:00

A Vida é um Quebra-cabeças. Uma pergunta com infinitas respostas. Uma sinfonia que possui vários meios de continuar, ou terminar. E um ano é apenas um segundo dentro do ciclo interminável do Relógio. E a gente se pergunta: "Por que estamos aqui?" Se estamos aqui, é para alguma coisa. Tão pequenos somos, e podemos ser tantas coisas nesse pequeno instante.

A Vida não começa nem termina: passa. Morte, não há. Tolstói morreu, mas o que ele fez, não. Ele está morto?

Um ano que passa e um ano que vem, é um passo dentro de uma grande dança, um movimento de uma sonata, uma peça no Quebra-cabeças, um capítulo de romance, um amor perdido... Pode ser também apenas um papel amassado no lixo, um lápis quebrado. Bom ou ruim, nele aprendemos alguma coisa. Aprendizado. E nada nunca está totalmente feito. Tudo é integrado ao Espaço Infinito. Nada é em vão. Se existe Deus, nada é em vão. Feliz 2008 a todos e todas.

Lá em cima, Yellow-Red-Blue (1925), de Kandinsky, artista que sabia tudo o que eu falei. (E o que eu sei?)

Saiba sobre Kandinsky

A Nona sinfonia de B e e t h o v e n

2007-11-20T10:57:00.000-03:00

b e e t h o v e n
(1770-1827)

A Nona sinfonia, obra de música erudita inscrita no período romântico, foi a última dentre aquelas compostas por Ludwig van Beethoven. Foi apresentada pela primeira vez em 7 de maio de 1824, no Kärntnertortheater, em Viena, na Áustria. O regente foi Michael Umlauf, diretor musical do teatro, e Beethoven - dissuadido da regência pelo estado implacável de sua surdez - teve direito a um lugar especial junto ao maestro. Esta foi a primeira sinfonia na história a utilizar a voz humana, que figura no quarto movimento, com um coro e quatro solistas, sobre a poesia, modificada por Beethoven, do original de Friedrich Schiller "Ode an die Freude" (Ode à Alegria). Este movimento, assim como uma versão modificada do poema de Schiller, foi escolhido como Hino da União Européia, pela síntese que faz de ideais clássicos ligados ao Humanismo, à Fraternidade, à Liberdade e à Igualdade. A Nona sinfonia, opus 125, é provavelmente a mais conhecida e popular obra da música erudita européia, sendo possível encontrar referências diretas e indiretas a ela em diversas manifestações da cultura pop (um exemplo famoso é o papel importante que possui no desenvolvimento da trama de Laranja mecânica, um romance de Anthony Burgess e um filme homônimo de Stanley Kubrick). O tema principal do quarto movimento comumente é reconhecido por muitas pessoas que desconhecem a obra de Beethoven, ou mesmo não sabem que se trata de uma sinfonia, pelo fato de terem-na ouvido em situações diversas. Pela notoriedade que possui, é muito comum ouvir pessoas referindo-se a ela simplesmente como "a Nona", de forma que a omissão do nome do autor não impede o interlocutor de saber a que se refere. Ela é executada hoje exatamente como foi definida por Beethoven, graças a introdução do metrônomo. Fonte

Pascal: a contradição de ser humano.

2007-10-30T09:20:00.001-03:00

Pensar, pensar, pensar... Para que tudo isso? Por que o homem não se conforma com a sua própria contradição? Por que vive sempre a buscar mais e mais aquilo que não conhece? Pascal foi um dos que descobriu isso tudo. Foi apenas mais um que soube que o ser humano está perdido. Mas sabia que há esperança, e que o homem pode colocar sua fé em tudo o que faz. Isso é o que nos salva, meus amigos.

Saiba mais sobre Blaise Pascal

Franz Liszt (1811-1886)

2007-10-22T12:50:00.000-03:00

22 de 1811. Nascimento do compositor húngaro Ferenc Liszt (1811-1886), em Raiding, na Húngria. Será conhecido pela tradução alemã do seu nome - Franz Liszt.

Contam que certa vez, durante uma recepção em um palácio, o chapéu de Liszt caiu, rolando escada abaixo. Uma princesa russa, aproximando-se de Lizst, exclamou: "Oh, seu chapeu caiu, senhor!". Ele respondeu: "Deixe! Por causa de seu encanto já perdi a cabeça, de modo que o chapéu não me serve mais". Assim era Liszt. Amado pelas mulheres, admirado pelos homens, Franz - ou Ferenc, em húngaro - nasceu a 22 de outubro de 1811, em Haiding, na Hungria. Seu pai era administrador da famosa família Esterházy, para que o músico Joseph Haydn trabalhou toda sua vida. Seu talento precoce ao piano surpreendeu a nobreza local. Ao tentar entrar para o conservatório de Paris, foi impedido pelo diretor "por ser estrangeiro". O diretor era o italiano (?) Luigi Cherubinni... Sem se abater, estuda com professores particulares. Festejado como virtuose, foi para Viena, a fim de aperfeiçoar seus conhecimentos. Estudou com Antonio Salieri e Carl Czerny, este último, por sua vez, aluno de Beethoven...Continua aqui

Frédéric Chopin (ler mais)

2007-09-29T10:18:00.000-03:00

Frédéric Chopin, forma afrancesada do nome Fryderyk Franciszek Chopin, em polonês, nasceu em Żelazowa Wola, Polônia, 1 de Março de 1810 — Paris, 17 de outubro de 1849) foi um dos maiores compositores para piano e o mais conhecido compositor polaco. Filho do professor francês Nicolas Chopin, que dava aulas de língua e literatura francesa, e da polaca Justyna Krzyzanowska, que tocava o piano.

Iniciou aulas de piano aos seus sete anos com o professor Wojciech Żywny e nesta altura compôs suas primeiras Polonaises. O primeiro concerto público deu-se no ano de 1818, tendo apenas 8 anos de idade na época.

Estudou musica no Conservatório de Varsóvia e durante este período, tornou-se ativo participante da vida musical de Varsóvia. Assistiu aos concertos de Paganini bem como a óperas no Teatro Nacional de Varsóvia (Don Giovanni, Barbeiro de Sevilla), e compôs as Variações em Si bemol Maior sobre um motivo da ópera Don Giovanni e uma série de Rondós baseados em motivos lúdicos.

Deixou a Polônia no dia 2 de Novembro de 1830 e seguiu para Paris com vinte e um anos de idade e nunca regressou.

Chopin dedicou toda sua obra ao piano, com exceção de uma ou duas peças para violoncelo, um trio de câmara, os dois concertos para piano e algumas canções. Assim, seu nome ficou internacionalmente ligado ao do instrumento, de forma que é impossível fazer uma história da música para piano sem Fryderyk Chopin (chopén).

A música de Chopin tem na maioridade suas origens no folclore polonês. Este facto não era compatível com o ambiente político na Polônia, que estava na altura e durante cerca de 100 anos sobre ocupação do Czar da Russia. (ler mais)

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CECÍLIA MEIRELLES

2007-07-08T20:18:00.000-03:00

Cecília Meireles (1901-1964)

Simples. Fugaz. Leve. Densa. Libertária.Diz tantas coisas que nós não percebemos, mas vemos o tempo todo. Poetisa da liberdade. Cecília foi (é) figura importante da nossa literatura e da nossa história. Mulher, pássaro, luz, música... Ficará para sempre entre nós, onde quer que estejamos.

Motivo

Eu canto porque o instante existe
e a minha vida está completa.
Não sou alegre nem sou triste:
sou poeta.

Irmão das coisas fugidias,
não sinto gozo nem tormento.
Atravesso noites e dias
no vento.

Se desmorono ou se edifico,
se permaneço ou se desfaço,
- Não sei, não sei. Não sei se fico
ou passo.

Sei que canto. E a canção é tudo.
Tem sangue eterno e asa ritmada.
E um dia sei que estarei mudo:
- mais nada.

VIVA SÃO JOÃO!

2007-06-17T11:38:00.000-03:00

É São João, minha gente! Celebremos nossa cultura! Precisamos de alegria espontânea e criatividade em tempos tão tormentosos na política brasileira. Precisamos reagir contra tanta desgraça, expressar nossa indignação contra tanta roubalheira. Entretanto, isso torna-se um desafio com tanta massificação cultural, inclusive a massificação da nossa própria cultura, estimulada por políticas culturais muito criteriosas.

É isso, nós produzimos parte do lixo que consumimos a partir da nossa própria cultura. Vocês sabem de que eu estou falando. Empresários formando certos grupos musicais que dizem ser da nossa terra, quando são apenas instrumento de lucro e "burrificação" de um povo, antes tão criativo. Um povo que usava do Mamulengo, do Bumba-meu-Boi etc., para mostrar sua visão crítica, agora se cala e se alegra com as pseudo-bandas de forró. Até mulequinho de 9 anos já sabe de cor as poéticas letras que falam, entre outras coisas, de cachaça, prostituição, etc.

Temos uma cultura vasta, rica, poética; valorizemo-na, minha gente!

BACH: UM DOS MEUS MESTRES ILUSTRES

2007-06-02T20:43:00.000-03:00

A sua música é a alma da música. Pra mim, o melhor. Pouco conheço. Toco uma música sua no violão. Mas sinto, a cada vez que ouço, a Música, isso mesmo, com letra maiúscula. A Música Bach conheceu como poucos. (entre estes, Mozart, Schumman, Vivaldi etc.) Sou ainda um bebê em música, mas reconheço em Bach um mestre. Essa é a minha humilde opinião.

JOÃO CABRAL: ENGENHEIRO DA POESIA

2007-04-28T08:59:00.000-03:00

A Vida e apenas a Vida. Sem enfeites supérfluos. Sem lirismo. Sem excessos. João Cabral de Melo Neto traduziu em poesia a engenharia daquilo que vive, e choca com o que vive. João detestava qualquer lirismo supérfluo e gorduroso. Daí a limpeza e a claridade da sua obra. O rigor, a depuração da linguagem. Anos para escrever um poema. É um poeta verdadeiro. A Vida triunfou sobre a Morte.

O GIGANTE RUSSO LEÓN TOLSTÓI

2007-04-27T20:54:00.000-03:00

León Tolstói é um daqueles escritores que a gente leva uma vida inteira pra conhecer. Autor de obras-primas da Literatura, como Ana Karênina e Guerra e Paz, traz-nos pontos humanos a serem discutidos, julgados, interpretados por nós. Desconstrói seus personagens por inteiro para nos vermos (ou não) dentro deles, percebamos isso ou não. Cultuado, traduzido, estudado, enfim, lido em todo o mundo, marcou sua presença na eternidade da palavra.

JORGE DE LIMA: POETA DA TERRA E DO TODO

2007-04-19T19:59:00.000-03:00

Conheci Jorge de Lima através de livros didáticos. Isso de uns 6 meses pra cá. Quando peguei um livro dele pra ler, senti um tal sopro de misticismo que fiquei impressionado. (Sou ainda leitor verde de poesia) Penso a sua poesia como uma das melhores já escritas, e tenho o orgulho de dizer a vocês que ele é alagoano, nordestino nosso irmão. Apesar de não conhecer toda a sua obra, li poemas de suas diferentes fases, e vi que não só misticismo, mas também a sua terra, o seu povo e suas tradições. Foi menino de engenho, médico, letrado, místico. Muito amigo de Gilberto Freyre e Murilo Mendes. Grande. Enorme. Salve.

Kafka

2007-04-04T20:42:00.000-03:00

Acabei de ler "O Castelo", de Franz Kafka. É um livro difícil, árduo, mas te prende de tal forma ao enredo que você faz de tudo pra acabar. Ao fim vem um misto de alívio e frustração, pois o livro termina no meio de uma frase. Como disse o escritor argentino Jorge Luís Borges, os livros de Kafka nunca têm um final, pois é impossível terminá-los. A história de K. (o protagonista do romance) é cheia de coisas sem nexo usadas pelo autor como ironia do absurdo do nosso cotidiano: as repartições públicas, prefeituras, etc. Leia "O Castelo" e entenda o que eu digo. Para saber mais:

Texto de Jorge Luís Borges sobre Kafka

Antônio Maria

2007-02-15T22:21:00.000-03:00

"Às vezes, me sinto muito só. Sem ontem e sem amanhã. Não adianta que haja pessoas em volta de mim. Mesmo as mais queridas. Só se está só ou acompanhado, dentro de si mesmo. Estou muito só hoje. Duas ou três lembranças que me fizeram companhia, desde segunda-feira, eu já gastei. Não creio que, amanhã, aconteça alguma coisa de melhor." (O diário de Antônio Maria)

Antônio Maria Araújo de Morais nasceu no Recife, em 17 de março de 1921, filho de Inocêncio Ferreira de Morais e Diva Araújo de Morais. Junto com os irmãos Rodolfo, Maria das Dores, Consuelo, e inúmeros primos, teve uma infância feliz, conforme se depreende de suas crônicas sobre os bons momentos desfrutados, nessa época, em sua terra natal. Nelas nos conta sobre a mãe carinhosa, os tempos de colégio, as aulas de música, as lições de francês, os mergulhos no rio e os "banhos salgados", as férias na usina Cachoeira Lisa, deixada por seu avô materno, Rodolfo Araújo. Continua...

PASSEI NO VESTIBULAR!!!

2007-01-09T19:20:00.000-03:00

Estou feliz e quero dividir isso por aqui com meus amigos. Passei no vestibular de Licenciatura em Música na UFPE. Saiu o resultado hoje e, finalmente, consegui realizar mais esta etapa.

Adeus a Sivuca

2006-12-15T19:42:00.000-03:00

Faleceu em João Pessoa, PB, nesta quinta-feira, dia 14/12/06, um dos maiores músicos do Brasil, o acordeonista Sivuca, vitimado por um câncer. Nascido Severino Dias de Oliveira em 1930 em Itabaiana, PB. Começou sua carreira profissional ainda adolescente, em 1945, na Rádio Clube de Pernambuco — foi ali que recebeu o nome artístico de Sivuca. Embora famoso pela habilidade no forró, Sivuca também passeava tranquilamente por outros gêneros, como o choro. Site oficial do artista

Confira a discogragia completa de Sivuca.

"Motivo para Dançar" (1956)
"Motivo para Dançar Nº 2" - Sivuca e Seu Conjunto (1957)
"Rendez-vous a Rio" (1965)
"Golden Bossa Nova Guitar" (1968)
"Sivuca" (1968)
"Putte Wickman & Sivuca" (1969)
"Sivuca" (1969)
"Joy - Trilha Sonora do Musical" - Oscar Brown Jr. / Jean Pace / Sivuca (1970) "Sivuca" (1972)
"Live at the Village Gate" (1973)
"Sivuca e Rosinha de Valença Ao Vivo" (1977)
"Sivuca" (1978) "Forró e Frevo" (1980)
"Cabelo de Milho" (1980)
"Forró e Frevo Vol. 2" (1982)
"Vou Vida Afora" (1982)
"Onça Caetana" (1983)
"Forró e Frevo Vol. 3" (1983)
"Forró e Frevo Vol. 4" (1984)
"Sivuca & Chiquinho Do Acordeon" (1984)
"Som Brasil" (1985)
"Chiko's Bar" - Toots Thielemans & Sivuca (1986)
"Rendez-Vous in Rio" Sivuca / Toots Thielemans / Silvia (1986)
"Sanfona e Realejo" (1987)
"Let's Vamos" - Sivuca & Guitars Unlimited (1987)
"Um Pé No Asfalto, Um Pé Na Buraqueira" (1990)
"Pau Doido" (1993) "Enfim Solo" (1997)
Foto site Sivuca na rede

Reza forte!

2006-12-02T18:32:00.000-03:00

Visita à UFPE - Professor e maestro Nelson Almeida, Departamento de Música da UFPE. Tou prestando provas para o vestibular de Licenciatura em Música. Reza forte, gente!:))

BUMBA-MEU-BOI

2006-11-11T15:42:00.000-03:00

O Bumba-meu boi é uma das grandes manifestações da cultura popular do Nordeste. Acho que já estava na hora de colocar alguma coisa sobre ele aqui no blog. Bem, apesar de conhecer pouco sobre o folguedo, sou fascinado pela sua beleza e poesia. As cores do boi, a história em si, tudo é de uma riqueza impressionante. E tudo isso é cultura popular, coisa feita pelo povo. Não tem mão de acadêmico (sem tirar o valor destes) ou metido a besta. Fiquem com informações sobre o Boi. Grande abraço.

NAVEGAR É PRECISO

2006-10-12T17:11:00.000-03:00

Navegadores antigos tinham uma frase gloriosa:

"Navegar é preciso; viver não é preciso".

Quero para mim o espírito [d]esta frase,
transformada a forma para a casar como eu sou:

Viver não é necessário; o que é necessário é criar.
Não conto gozar a minha vida; nem em gozá-la penso.
Só quero torná-la grande, ainda que para isso tenha de ser o meu corpo e a (minha alma) a lenha desse fogo.

Só quero torná-la de toda a humanidade;
ainda que para isso tenha de a perder como minha.
Cada vez mais assim penso.

Cada vez mais ponho da essência anímica do meu sangue
o propósito impessoal de engrandecer a pátria e contribuir
para a evolução da humanidade.
É a forma que em mim tomou o misticismo da nossa Raça.

Fernando Pessoa

Eleições

2006-09-27T20:53:00.000-03:00

Neste domingo todos estão votando. É um momento extremamente complicado para o nosso país, e muito chato, o das eleições. A quantidade de papéis, carros de som etc. é insuportável. Eu, que tenho "alma" de artista, fico de saco cheio com esses sorrisos amarelos. Queria pedir a você que não comprasse corrupção. Pelamordedeus, não venda seu voto! Ou você quer que a situação continue? Por acaso você está achando a situação boa? E a saúde, está "quase perfeita" como diz o grande Lula? Pense muito bem. Um abraço.

2006-09-02T22:38:00.000-03:00

“Helena Meirelles – A Dama da Viola”

Nasceu numa fazenda no pantanal do Mato Grosso do Sul e cresceu rodeada de peões, comitivas e violeiros. Fascinada pelas violas caipiras, a família não permitia que aprendesse a tocar, o que acabou fazendo por conta própria, às escondidas. Aos poucos ficou conhecida entre os boiadeiros da região. Casou-se por imposição dos pais aos 17 anos, abandonando o marido pouco tempo depois para juntar-se a um paraguaio que tocava violão e violino. Separou-se novamente e, resolvida a tocar viola em bares e farras, deixou os filhos dos dois casamentos com pais adotivos e ganhou a estrada até encontrar o terceiro marido, com quem está junto há mais de 35 anos. Depois de desaparecer por mais de 30 anos, foi encontrada bastante doente por uma irmã, que a levou para São Paulo, onde foi "descoberta pela mídia" a partir de uma matéria elogiosa na revista norte-americana "Guitar Player". Apresentou-se em um teatro pela primeira vez aos 67 anos, e gravou discos em seguida. Foi escolhida em 1993 pela Guitar Player como uma das "100 mais" por sua atuação nas violas de 6, 8, 10 e 12 cordas.
Discografia
Prêmio Spot Ligth Artist da revista norte-americana Guitar Player
Morre Helena Meirelles, a maior violeira do mundo

O sertão abstrato de Guimarães Rosa

2006-08-17T11:36:00.000-03:00

Guimarães Rosa tem uma coisa intrigante que é fazer narrativas longas em que cada palavra é importante. Graciliano Ramos fazia romances curtos com linguagem sintética e densa. O pessoal do Romantismo muitas vezes fazia narrativas longas e vazias de conteúdo. Aí entra Guimarães Rosa com algo importante para nossa literatura: levar o leitor a um estado de espírito que nem ele mesmo (o leitor) sabia que poderia chegar. A gente aprende com o "doutor Rosa", não só a ler narrativas longas, mas sobre nós mesmos. Ele dizia que o sertão está em toda parte. Essa frase pode ser interpretada de várias formas. Muitas vezes, pode nem ser a certa, mas estamos inventando, e acho que esse era o propósito dele ao escrever o romance: fazer o leitor descobrir sua próptia criatividade. Ou será que eu estou errado? Ficamos sem saber as respostas exatas. Mas, o que é exato nesta nossa vida humana?

Leia algumas as obras do autor:
Sagarana
Grande Sertão: Veredas
Tutaméia
Manuelzão e Miguilim
entre outras....

VIVO!

2006-07-10T19:20:00.000-03:00

Dia desses consegui finalmente um disco que há muito procurava e que me deixou surpreso. Obra desconhecida e rara. Difícil de classificar. Falo de Vivo!, disco lançado há 30 anos pela Som Livre com a gravação do show Vou Danado pra Catende, de Alceu Valença, no Rio de janeiro.

Lá por esses tempos, o cantor definia a base de uma carreira que inovaria a MPB. Só que, na época do registro em questão, seu som não chegava nem perto de “MPB”. Tinha forte acento experimental que o tornava inclassificável, situando-se próximo da psicodelia nordestina, tão bem representada pelo antológico Paêbirú, de Lula Côrtes e Zé Ramalho, disco do qual participaram vários músicos do underground recifense, inclusive Alceu.

O intrigante show Vou Danado pra Catende unia a teatralidade dos mamulengos, o cordel, o repente, lirismo e sarcasmo, tudo isso na imegem e na voz de Alceu. A banda de apoio era formada por (provavelmente) Zé Ramalho, Paulo Rafael, Israel Semente, Agrício Nóya, Dicinho e Zé da Flauta. Essa turma de cabeludos foi fundamental para colorir as idéias do cantor de São Bento do Uma. O resultado instrumental é uma mistura de Quinteto Armorial com Led Zeppelin e Ave Sangria.

A psicodelia de Alceu diferenciava-se de todas outras no fato de ser calcada no cordel e nas raízes da nossa música. O Beatles tiraram psicodelia da música indiana e da música erudita. Alceu encontrou uma psicodelia nordestina. Aliás, psicodelia é o que não falta na nossa cultura. Ouça bem uma música do Antúlio Madureira ou leia sobre algum mito sertanejo.

Alceu sempre soube equilibrar bem as informações colocadas em sua música, mas destacando sempre o que é da nossa terra. O rock está lá para dar força e vigor mais intensos, fazendo uma música intrigante, irreverente e muito rica, diferindo de purismos como os do pessoal que contestava o tropicalismo. Nordestino universal...

Infelizmente, o disco é uma raridade, mas você pode procurar no orkut, comuna Udigrudi, em sebos de discos usados, com algum parente... bem, boa sorte e lembre-se: escute sem preconceitos.

ASCENSO FERREIRA

2006-07-10T18:59:00.001-03:00

Nasceu no dia 9 de maio de 1895, em Palmares, na zona da mata açucareira de Pernambuco. Sua mãe foi sua primeira professora e aos 13 anos Ascenso já trabalhava na loja de um padrinho. As histórias que ouvia dos viajantes o fascinaram, e mais tarde, povoaram seu universo poético. Homem de porte avantajado e vozeirão marcante, Ascenso mesmo assim era capaz de contar seus poemas de forma não raras vezes terna. O folclore e as coisas do Nordeste são a base de sua obra. Ele foi um dos poetas do nascente modernismo na década de 20. Seu livro mais conhecido é Catimbó, mas o que identifica imediatamente é o ritmo dos versos e a cadência da voz (“Vou danado pra Catende, com vontade de chegar!”). Ascenso Ferreira faleceu no recife no dia 5 de maio de 1965.

Fonte: Almanaque de Pernambuco 2003 – LAFEPE / Governo do Estado de Pernambuco – Secretaria de Saúde.

Trem de Alagoas (fragmentos)

O sino bate,
o condutor apita o apito,
solta o trem de ferro um grito,
põe-se logo a caminhar...

– Vou danado pra Catende
vou danado pra Catende,
vou danado pra Catende,
com vontade de chegar...

Mergulham mocambos
nos mangues molhados
moleques, mulatos,
vem vê-lo passar.

– Adeus!
– Adeus!

(...)

Meu Deus, já deixamos
a praia tão longe...
no entanto avistamos
bem perto outro mar...

Danou-se! Se move,
se arqueia, faz onda!...
Que nada! É um partido
já bom de cortar...

– Vou danado pra Catende
vou danado pra Catende,
vou danado pra Catende,
com vontade de chegar...

(...)

Para saber mais...

Óia eu aí!!!

2006-07-01T16:13:00.000-03:00

Encontro com Silvério Pessoa (ex- Cascabulho)

XXIV SKOPJE JAZZ FESTIVAL

com Lenine...

Pizindin

2006-06-11T16:30:00.000-03:00

Jazz? Que nada! A boa música nacional dos 'Batutas Brasileiros'

Irineu de Almeida ( Pixinguinha) fixou residência na 'Pensão Viannaa', orientando de perto os progressos do menino flautista. Animado com o talento do filho, o velho Vianna importou da Italia uma flauta especial que custou a fortuna de 600$000 (Seiscentos Réis). Surgia mais um músico na familia Vianna. Levado pelo irmão China, que tocava violão, Pixinguinha, com apenas quatorze anos foi contratado para o conjunto da Concha, uma casa de chopp que havia na Lapa.

O 'flautista de calças curtas', como era conhecido nas quermesses e festas familiares, logo ganhou fama na vida noturna carioca. Propostas superiores aos 6$000 diários que ele recebia na Concha surgiram e ele foi tocar no Ponto, no ABC e no Cassino. Tocava até de madrugada, entusiasmando todos com seu sopro e imaginação. Mas isso era de noite. De dia, ele continuava um moleque não dispensava os jogos de pipa, bola e pião, além dos cigarros que fumava escondido, agora comprados com o seu dinheiro e ao seu gosto, e não mais os fortes roubados da vó Edwiges, chamados, à época de 'fuzileiros navais'.

E lá estava o Pizindin empinando o seu papagaio quando aparece um cidadão bem vestido e bem falante, trazendo um convite do violonista Arthur Nascimento, o Tute, para tocar com a orquestra do Maestro Paulino Sacramento, no Teatro Rio Branco. Meio assustado, foi saber do que se tratava.

-- Paulino, aqui está o flautista de quem lhe falei - disse Tute
-- Isso aí? Esse molecote? Flautista??? Tá mais precendo um galetinho! - espantou- se o diretor diante da figura comprida, desengonçada e de calças curtas que Tute guiava pelo pescoço.

No dia seguinte, no primeiro ensaio, a reação de espanto do maestro só não foi maior do que a dos músicos bigodudos, preocupados com as páginas e páginas de partitura, que viam Pixinguinha tranqüilo, soprando limpo e bonito a música inteira, em perfeito entendimento com o resto da orquestra.

-- Pegou tudo na antena. Nem olhou prá partitura! - comentou um.
-- Eu disse prá vocês que ele era um batuta - acrescentou Tute.

Assim, Pixinguinha garantiu o seu lugar na orquestra que tocaria na peça "Chegou Neves", com o melhor que existia de elenco naquela época. A notícia correu pela cidade: no Teatro Rio Branco havia um prodígio de flautista. Formou- se na platéia uma espécie de torcida, principalmente nas matinés de domingo, quando Pixinguinha fazia solos, acrescentando improvisos à cada nova apresentação.

Fonte

"LOURO DO PAJEÚ"

2006-04-25T15:05:00.000-03:00

Um dos grandes repentistas do Nordeste, Lourival Batista Patriota nasceu em 6/1/1915, na Vila Umburanas, hoje município de Itapetim – PE (antes pertencia a São José do Egito - PE) e faleceu em Recife – PE, em 8/12/1992.

"Versos do "Louro do Pajeú"

Meus filhos são passarinhos
que vivem dos meus gorjeios;
eu, para encher os seus papos,
caço grãos em chãos alheios
e só boto um grão no meu
quando vejo os deles cheios...

Meu DEUS que sorte mesquinha
desse cego e dessa cega,
chegaram aqui na bodega,
se meteram na branquinha,
DIOGO puxa CHIQUINHA,
CHIQUINHA puxa DIOGO,
ficaram assim nesse jogo,
o carro já está no prego.
A cega puxando o cego
e o cego puxando fogo.

Pra cantar um desafio
a ninguém peço socorro;...
vai chegando ORLANDO TEJO,
que é da altura dum morro,
TEJO que anda esta hora
não tem medo de cachorro.

Entre o gosto e o desgosto,
o quadro é bem diferente,
ser moço é ser um sol nascente,
ser velho é ser um sol posto,
pelas rugas do meu rosto,
o que fui hoje não sou,
ontem estive, hoje não estou,
que o sol ao nascer fulgura,
mas ao se pôr deixa escura
a parte que iluminou.

Um sábio muito profundo
me perguntou certa vez:
você já conhece os três
desmantelos deste mundo?
Eu respondi num segundo
DOIDO, MULHER e LADRÃO,
dei mais a explicação
DOIDO não tem paciência,
LADRÃO não tem consciência,
MULHER não tem coração.

O Mestre Jorge Ben Jor

2006-04-15T14:38:00.000-03:00

Carioca de Madureira criado no Catumbi, desde pequeno gostava de cantar no coro da igreja e participar dos blocos de carnaval. Na adolescência e juventude ganhou um violão e começou a tocar bossa nova e rock'n'roll. Nos anos 60 apresentou-se no Beco das Garrafas, que se tornou um dos redutos da bossa nova. Lá foi ouvido por um produtor que o chamou para gravar. Logo saiu o primeiro compacto com "Mas, Que Nada" e "Por Causa de Você, Menina", em 1963, acompanhado pelo conjunto Copa Cinco. No mesmo ano lançou o primeiro LP, "Samba Esquema Novo". Foi para os Estados Unidos e lá suas composições "Zazueira", "Mas, Que Nada" e "Nena Naná" entraram nas paradas de sucesso, sendo gravadas por intérpretes como Sergio Mendes, Herb Alpert, José Feliciano e Trini Lopez. Na era dos musicais da TV, fiel a seu estilo múltiplo, participou tanto de O Fino da Bossa (comandado por Elis Regina) quanto do Jovem Guarda de Roberto Carlos, e mais adiante do Divino Maravilhoso dos tropicalistas Caetano e Gil. Em 1969 obteve enorme sucesso com "Cadê Teresa", "País Tropical" e "Que Maravilha", além de concorrer com "Charles, Anjo 45" no festival da canção da TV Globo. Venceria o festival em 1972, com "Fio Maravilha", interpretado por Maria Alcina. Lançou outros discos nos anos 70, incluindo clássicos como "A Tábua de Esmeralda" (1974) e "África Brasil" (1976). Na década seguinte dedicou-se a divulgar suas músicas no exterior. E 1989 mudou o nome artístico de Jorge Ben para Jorge Ben Jor. Sua música "W/Brasil (Chama o Síndico)", lançada em 1990, estourou nas pistas de dança em 91 e 92, tornando-se uma verdadeira febre. A partir daí seus discos se tornaram mais pops, sem perder o suíngue que sempre o caracterizou. "Músicas para Tocar em Elevador", de 1997, tem participações de 12 artistas, como Carlinhos Brown, Fernanda Abreu e Paralamas do Sucesso. A música de Jorge Ben Jor tem uma importância única na música brasileira por incorporar elementos novos no suíngue e na maneira de tocar violão, trazendo muito do soul e funk norte-americanos e ainda com influências árabes e africanas, que vieram através de sua mãe, nascida na Etiópia. Suas levadas vocais e instrumentais influenciaram muito o sambalanço e fizeram escola, arregimentando uma legião não só de admiradores como também de imitadores. Foi regravado e homenageado por inúmeros expoentes das novas gerações, como Mundo Livre S/A (em "Samba Esquema Noise") e Belô Velloso ("Amante Amado").

Fonte: http://www.cliquemusic.com.br/artistas/jorge-ben-jor.asp

SALVE, JACKSON!

2006-02-25T10:56:00.000-03:00

Jackson do Pandeiro nasceu em Alagoa Grande, Paraíba, em 31 de agosto de 1919, com o nome de José Gomes Filho. Filho de uma cantadora de coco, Flora Mourão, que deu a ele o seu primeiro instrumento: o pandeiro.

Seu nome artístico nasceu de um apelido que ele mesmo se dava: Jack, inspirado em um mocinho de filmes de faroeste, Jack Perry. A transformação para Jackson foi uma sugestão de um diretor de programa de rádio. Dizia que ficaria mais sonoro e causaria mais efeito quando fosse ser anunciado.

Somente em 1953, já com trinta e cinco anos, foi que Jackson gravou o seu primeiro grande sucesso: "Sebastiana", de Rosil Cavalcanti. Logo depois, emplacou outro grande hit: "Forró em Limoeiro", rojão composto por Edgar Ferreira.

Foi na rádio pernambucana que ele conheceu Almira Castilho de Alburquerque, com quem se casou em 1956 vivendo com ela até 1967. Depois doze anos de convivência, Jackson e Almira se separaram e ele casou com a baiana Neuza Flores dos Anjos, de quem também se separou pouco antes de falecer.

No Rio, já trabalhando na Rádio Nacional, Jackson alcançou grande sucesso com "O Canto da Ema", "Chiclete com Banana", "Um a Um" e "Xote de Copacabana". Os críticos ficavam abismados com a facilidade de Jackson em cantar os mais diversos gêneros musicais: baião, coco, samba-coco, rojão, além de marchinhas de carnaval.

O fato de ter tocado tanto tempo nos cabarés aprimorou sua capacidade jazzística. Também é famosa a sua maneira de dividir a música, e diz-se que o próprio João Gilberto aprendeu a dividir com ele.

Já com sessenta e três anos, sofrendo de diabetes, ao fazer um show em Santa Cruz de Capibaribe, sentiu-se mal, mas não quis deixar o palco. Já estava enfartado mas continuou cantando, tendo feito ainda mais dois shows nessas condições, apesar do companheiro Severo, que o acompanhou durante anos na sanfona, ter insistido com ele para cancelar os compromissos: ele não permitiu. Indo depois cumprir outros compromissos em Brasília passou mal, tendo desmaiado no aeroporto e sendo transferido para o hospital. Dias depois, faleceu de embolia cerebral, em 10 de julho de 1982.

Texto de Tatiana Rocha

Naná Vasconcelos

2006-02-24T17:28:00.001-03:00

Filho de um violonista de Recife, teve na infância influências musicais que iam de Villa-Lobos a Jimi Hendrix. Especializou-se em instrumentos de percussão brasileiros, particularmente o berimbau. Depois de tocar por algum tempo em cabarés e bandas de Recife, mudou-se em 1966 para o Rio de Janeiro, onde conheceu Luiz Eça, Wilson das Neves, Gilberto Gil, e passou a acompanhar Milton Nascimento e o Som Imaginário. Integrou o Quarteto Livre (com Nelson Ângelo, Franklin da Flauta e Geraldo Azevedo) em 1968, mesmo ano em que acompanhou Geraldo Vandré no show "Caminhando (Pra Não Dizer que Não Falei de Flores)", logo interditado pela censura. Em 1970 foi convidado para integrar a turnê do saxofonista argentino Gato Barbieri pelos Estados Unidos e Europa. Por essa época começou a desenvolver seu trabalho de vanguarda. Naná radicou-se em Paris, onde gravou seu primeiro disco, "Áfricadeus". Em 1973 gravou no Brasil "Amazonas", um disco que se tornou um marco na combinação de percussão e voz na MPB. De volta ao Brasil, trabalhou com Egberto Gismonti por oito anos, tendo gravado juntos três álbuns, entre eles o aclamado "Dança das Cabeças". Nos anos 70 Naná Vasconcelos tocou com grandes nomes da música internacional, como Pat Metheny, B.B. King e Paul Simon. Já se apresentou como solista acompanhado por orquestras sinfônicas, excursionou pela Europa com dançarinos do Bronx e fez trilha sonora para cinema ("Down By Law", de Jim Jarmush). Além de dominar uma grande variedade de instrumentos de percussão, Naná Vasconcelos contribuiu para a divulgação internacional do berimbau.

FONTE

Para saber mais

Rabeca

2006-02-17T16:36:00.000-03:00

Termo genérico para qualquer instrumento de cordas tocado com arco. Segundo Mário de Andrade no "Dicionário Musical Brasileiro", "Rabeca é como chamam ao violino os homens do povo no Brasil. Nas classes cultas é voz que já não se escuta mais. Desde a vulgarização do instrumento, pela segunda metade do século XIX, o chamaram de rabeca entre nós." Entre as formas pelas quais passou a palavra em várias línguas encontra-se rabé, rabel, rebel, rabil, raben, rabec, rebec, rabeca, rebeca, rebeb, rebeba, rubeba, rabebillo, rebequim, rabequim, rabecão etc. No século XIX, e na configuração da MPB, a rabeca passou a ser empregada por artistas populares de rua e em bandas popularescas do nordeste do Brasil.

Som da rabeca no Barro e Cordas

2006-01-26T20:06:00.000-03:00

Sivuca

Recife Anos 70

2005-12-25T17:10:00.000-03:00

A PSICODELIA NO RECIFE DOS ANOS 70

Há muito, muito tempo atrás, quando eu nem sonhava em nascer, havia em minha cidade natal um grupo de músicos talentosos que tentaram unir o rock psicodélico, o folk, os sons indianos, a música e a poesia nordestina. E esse grupo conseguiu muito bem. Alguns de seus integrantes continuam sãos, outros se perderam por contadas drogas. Estou falando da Turma do Beco do Barato, que era um antigo bar underground do Recife no final dos anos 60 e começo dos 70. Essa turma era formada por Lailson, Marconi Notaro, Flaviola, Robertinho de Recife, o grupo Ave Sangria, Lula Côrtes, Zé da Flauta e os conhecidos Zé Ramalho, Alceu Valença e Geraldo Azevedo, que hoje em dia são mais conhecidos como artistas de MPB. Esse grupo de artistas era avesso às regras do mercado, e sua estética musical era muito madura.

Felizmente, esse pessoal conseguiu gravar. Graças ao espaço cedido pela gravadora Rozenblit, daqui mesmo do Recife e que se acabou por conta das enchentes que ocorreram no final dos anos 70, foram lançadas obras que são hoje conhecidas por todo o mundo e estão entre os principais discos de rock psicodélico de todos os tempos. Talvez pelo fato de a Rozenblit ter sido uma gravadora independente e aquela avessão aos padrões de consumo, esses discos são raríssimos. São eles "Satwa", de Lailson e Lula Côrtes,"Paêbirú", de Lula Côrtes e Zé Ramalho; "Flaviola e o Bando do Sol", de Flaviola, "No Sub Reino dos Metazoários", de Marconi Notaro; e o LP homônimo do Ave Sangria, o único a gravar por uma grande gravadora.

O Ave Sangria merece atenção especial, pois era formado pelos melhores músicos da época: Ivinho, Agricio Noia, Paulo Rafael, que até hoje toca com Alceu, Israel Semente, Almir de Oliveira e Marco Polo, poeta e hoje editor da Revista Continente.

As obras desse pessoal ficaram esquecidas por bastante tempo, mas hoje em dia são referências indispensáveis para grupos como "Jorge Cabeleira e o Dia em que Seremos Todos Inúteis" e pra mim mesmo.

Se você se interessar, procure na Comuna Udigrudi . Lá tem estes discos em mp3. Boa sorte e um abraço.

Dicas

2005-12-22T06:06:00.000-03:00

Isso aqui tá bom demais

Festas populares que reúnem milhões de pessoas, vendas milionárias de discos e ciclo de shows demonstram o vigor do forró, um gênero que atravessa gerações

Por Mauro Trindade

É favor prestar atenção. O forró está em todas. Do sucesso sazonal nos anos 50 até o forró universitário dos anos 90, a festa e o ritmo nordestinos tornaram-se nacionais. Casas de espetáculos dedicadas ao gênero em todo o país, novos grupos que recriam seu balanço com a influência de outros estilos musicais e um ciclo de concertos que traçam sua história revelam o vigor e a permanência do gênero...No contrafluxo do rock brasileiro, esgotado após seu auge nos anos 80, ressurgiu um interesse por ritmos e danças brasileiras, como o forró, o pastoril e o tambor de crioula. O CD Sabe Lá o que É Isso?, do grupo Cordão do Boitatá, é exemplo desta redescoberta musical, com um repertório abundante de frevos, marchas e jongos. Ao mesmo tempo, o forró universitário contaminou-se com novas forças e influências, somando contrabaixos elétricos e outros instrumentos ao basilar trio de zabumba, sanfona e triângulo. O percussionista Duane, do grupo carioca Forróçacana, criou sua “zabumbatera”, enquanto grupos como o paulista Falamansa incorporam elementos do reggae e do blues. Com mais de dois milhões de discos vendidos, o Falamansa é o retrato mais bem-acabado do sucesso do forró e de sua multiplicidade. O sanfoneiro Valdir do Acordeon, de formação forrozeira, toca ao lado de Tato (voz e violão), Dezinho e Alemão (percussão), vindos do reggae e do heavy metal. Resumo das novas fusões embutidas num gênero cada vez mais rico e segmentado, em que passado e futuro não são inimigos, mas irmãos que se complementam.

Dicas:
CD Luiz Gonzaga: 50 Anos de Chão
CD Jackson do Pandeiro: 50 Anos de Carreira
CD A Arte de Dominguinhos
CD Cada um Belisca um Pouco, Dominguinhos, Sivuca e Oswaldinho
CD Sabe Lá o que É Isso?, Cordão do Boitatá
CD O Melhor Forró do Mundo, Forróçacana
CD Eu, Tu, Eles
CD Raiz do Sana

Rei do baião

2005-12-18T22:00:00.000-03:00

Luiz Gonzaga foi um compositor popular nordestino, conhecido como o "rei do baião". Ele era natural de Exu, Pernambuco, filho de seu Januário e de dona Santana, onde nasceu em uma fazenda chamada Caiçara, que fica na divisa de Pernambuco e Ceará, no dia 13 de Dezembro de 1912. Ele faleceu em 2 de agosto de 1989. Autêntico representante da cultura nordestina, pois, mesmo seguindo carreira musical no sul do Brasil manteve-se fiel às suas origens. O gênero musical que o consagrou foi o Baião. A canção emblemática de sua carreira foi Asa Branca, que compôs em 1947, em parceria com o advogado cearense Humberto Teixeira.

No início da carreira, apenas solava sanfona (instrumentista), tendo choros, sambas, fox e outros gêneros da época no repertório até que se envereda pelos ritmos do Nordeste. A primeira música que gravou em 78 rpm (disco de 78 rotações por minuto) foi Vira e Mexe, canção do gênero xamego apenas solada. Em 11 de abril de 1945, Luiz Gonzaga gravou sua primeira música como cantor, no estúdio da RCA Victor: a mazurca Dança Mariquinha.

A Wikiquote tem uma coleção de citações de ou sobre: Luiz Gonzaga.
O Wikimedia Commons possui multimídia sobre: Luiz Gonzaga.

imagem:busto, Museo Luiz Gonzaga, Caruaru, PE.

Galeria Beatles

2005-12-10T20:36:00.000-03:00

Sivuca

2005-12-09T20:14:00.000-03:00

O talento de Sivuca, nascido Severino Dias de Oliveira, em 1930, na Paraíba, se manifestou precocemente. Com 9 anos já animava casamentos e festas pelo interior. Aos 15 foi tentar a sorte em um programa de calouros, em Recife, tocando, entre outras, Tico-Tico no Fubá, de Zequinha de Abreu, música que gravaria, anos depois, em seu primeiro disco. Estudou harmonia com o maestro Guerra-Peixe e foi parar em São Paulo pelas mãos da cantora Carmélia Alves. Trabalhou em dezenas de programas de rádio e foi do elenco fixo da TV Tupi de 1955 a 1959. Em 1958, foi representar o Brasil na Europa, juntamente com músicos como Abel Ferreira e o Trio Iraquitã. Morou quatro anos em Paris, de 1960 a 1964 e, em 1965, já estava nos Estados Unidos para integrar, como guitarrista, o conjunto de Miriam Makeba, famosa pela gravação de Pata Pata. Com ela viajou pela África, pela Europa e pela Ásia. Foram mais de dez anos acompanhando músicos de todas as vertentes e dirigindo musicais nos EUA. Voltou ao Brasil, em 1975, e gravou o belo Sivuca e Rosinha de Valença. Também compositor de mão cheia, compôs clássicos como Feira de Mangaio, com a mulher Glorinha Gadelha, sucesso na voz de Clara Nunes, e João e Maria, com Chico Buarque. Gravou com os gaitistas Toots Thielemans , Rildo Hora e interpretou Pixinguinha, Luperce Miranda e Bach. Aos 73 anos, Sivuca é um dos mais talentosos músicos em atividade no mundo. Fonte: biscoitofino
Site oficial de Sivuca